Der Weltklasse-Tätowierer Mike Rubendall kam in der Tattoo-Ära der 90er Jahre auf, als Dinge wie das Internet nicht verfügbar waren und Photoshop noch keinen Einzug in die Tattoo-Studios gehalten hatte. Jedes Design, das Rubendall und andere Künstler dieser Zeit schufen, entstand durch „echte” Recherche – etwa das Durchstöbern von Zeitschriftenläden und Bücherregalen in Bibliotheken, um an Referenzmaterial zu kommen. Obwohl es eine harte Zeit für den Einstieg war, gab sie dem Kings-Avenue-Tattoo-Künstler die Möglichkeit, sein Portfolio über die verschiedensten Tattoo-Stile hinweg zu erweitern. Damals nahm man nämlich jeden Tattoo-Wunsch an, der durch die Tür kam – japanisch, Black-and-Grey, Schriftzüge – was auch immer nötig war, um den Job zu bekommen. All das machte Rubendall zu dem vorbildlichen Künstler, der er heute ist.
Wir haben mit Rubendall gesprochen, um mehr über seine frühen Tattoo-Tage zu erfahren, über seinen Prozess bei aufwendigen Tattoos wie großflächigen Arbeiten und Japan-Designs, über seine Gedanken zu Reality-TV-Tattoo-Shows – und wir haben auch von einem kommenden Buchverlagsprojekt erfahren.
Klicken Sie sich durch die Slideshow, um zu lesen, was Rubendall in unserem exklusiven Yallzee-Interview zu sagen hatte.
![Ein Beispiel dafür wäre das erste Tattoo, das du auf mir gemacht hast, bei dem du großartige düstere Bilder um einige Arbeiten von Toxyc, Robert Hernandez und Victor Portugal herum geschaffen hast. Wie war es für dich als Künstler generell, so weit vom gewünschten Stil abzuweichen? Es ist nicht immer leicht, aber immer eine Herausforderung. In diesem konkreten Fall war es die Herausforderung, dass etwas sehr Einzigartiges und Begrenztes funktionieren musste. Ich musste etwas schaffen, das mit deinen Tattoos harmoniert. Ein Werk, das für sich allein schon interessant genug ist, aber hoffentlich auch deine anderen Tattoos würdigt und den Raum letztlich aufwertet. Ich wollte sichergehen, dass das Tattoo nicht negativ heraussticht – was leicht passieren kann, wenn man neben einer schönen Arbeit tätowiert. Lustig, wie das funktioniert: In einem Meer schöner Tattoos sticht natürlich das hässliche heraus [lacht]. Mein Hauptziel war es, nicht das hässliche zu sein [lacht]. Großflächige Tattoos sind sehr viel Arbeit, wenn man individuelle Designs erstellt. Man muss Dinge wie Platzierung, Körperfluss und Komposition berücksichtigen und wirklich zeichnen. Ganz zu schweigen von der Wahl der Farbpalette und dem eigenständigen Einsatz von Licht und Schatten, da es sich um ein Custom-Design ohne jegliche Referenzen handelt (meistens). Wie ist dein kreativer Prozess bei der Entstehung eines solchen Tattoos? Was ist deiner Meinung nach der schwerste, komplexeste und befriedigendste Teil des Prozesses? Für großflächige Tattoos brauchte ich viele Jahre des Ausprobierens. Ich benutze keine Computer oder Photoshop – alles ist handgezeichnet. Ich diskreditiere nicht die Leute, die Photoshop oder Computerprogramme zur Tattoo-Gestaltung nutzen – es ist nur etwas, mit dem ich nicht vertraut bin. Handzeichnen ist, wie ich es immer gemacht habe, und ehrlich gesagt begeistert mich das ganze Handgemachte. Es freut mich zu wissen, dass ich etwas mit meinen Händen erschaffen und auf einer gewissen Ebene einen Teil von mir selbst hineingelegt habe. Ich entwerfe Einzelstücke, maßgeschneidert für jede Person. Ich recherchiere und erkunde immer noch viele Dinge, mit denen ich arbeite. Ich lerne jeden Tag Neues, und jede Körperform/jede Körperstelle ist auf ihre Weise einzigartig, daher ist es immer anders, immer eine Herausforderung. Normalerweise fotografiere ich die Körperpartie, die ich gestalten werde, und vergrößere sie am Kopierer, damit sie auf die Maße eines kleinen Papierbogens passt. Das gibt mir viel Freiheit, schnell ein paar grobe Miniaturen zu machen und in kleinem Maßstab die Formen und Flüsse der Partie zu erkunden. Wenn ich mich für eine Richtung entschieden habe, die mir gefällt, vergrößere ich die Kopie erneut auf eine brauchbare Größe und beginne, die Hauptmotive zu gestalten. In dieser Phase konzentriere ich mich auf die wesentlichen Dinge: Proportionen, Details und die Bewegung mit dem Körper. Ich entwickle das Design weiter – verfeinere Entwurf um Entwurf, jeder kommt dem Endprodukt näher. Während dieses Prozesses vergrößere ich das Foto manchmal noch mehrmals. Wenn ich mit allen Aspekten des Designs zufrieden bin und das Zeichnen abgeschlossen ist, bin ich bereit für das Stencil. Bei jedem Tattoo erstelle ich das Stencil nur für die Hauptmotive und zeichne den gesamten Hintergrund freihändig auf den Körper. Das ist eine Methode, die meiner Meinung nach sehr wichtig für die Entstehung eines Tattoo-Designs ist. Es muss so aussehen, als wäre dieser Mensch mit diesem Kunstwerk geboren worden, es wirkt natürlich bei jeder Bewegung, und der Raum wird maximal genutzt. Natürlich sind manche Fälle erfolgreicher als andere, aber jedes Mal sollten sie besser sein als das letzte. Ich muss den Hintergrund auf den Kunden zeichnen, um sicherzugehen, dass er mit den Körperkonturen des Kunden funktioniert und dass eine Kontinuität in der gesamten Arbeit am Körper entsteht. Diese Technik erzeugt einen sehr natürlichen Fluss und verleiht dem Stück meiner Meinung nach diese Anmut, hat aber dennoch diese rohe Kraft, die ich in meiner Arbeit ständig anstrebe. Manche Dinge sehen einfach nicht so gut aus, wenn sie gestencilt werden – das kann das Gesamtbild wirklich einschränken und viel kompositionelle Spannung erzeugen.](https://www.inkedmag.com/.image/ar_3:2%2Cc_limit%2Ccs_srgb%2Cfl_progressive%2Cq_auto:good%2Cw_700/MTU5MDMyOTQ3NjQ2MjExODY0/img_2915.jpg)
INKED: Du bist für deine farbenfrohen japanischen Arbeiten bekannt, aber deine Black-and-Grey-Tattoos sind genauso gut wie die mancher Künstler, die sich auf diesen Stil spezialisiert haben – deine weichen Schattierungen, der Einsatz von Licht und Schatten, die Lautstärke, der Kontrast usw. Wie wurdest du so versiert in diesem Handwerk?
Mike Rubendall: Ich hatte in vielerlei Hinsicht Glück, dass ich in den 90ern in einem Street-Shop tätowieren gelernt habe, wo man im Grunde alles gemacht hat, was durch die Tür kam. Damals wusste man nie, wann das nächste Tattoo kommt, also musste man bereit sein, jeden Stil und mehr oder weniger jedes Thema anzunehmen. Man hatte nicht die Möglichkeit, sich Tattoos auszusuchen. Es gab keine Fülle an Aufträgen, und Frank (Romano) erlaubte keine „Primadonna-Scheiße”. Das war vor dem Internet, Referenzen waren schwer zu bekommen. Wenn ein Tattoo hereinkam, egal welches, versuchte ich, so viel Material zu recherchieren und als Referenz zu nutzen, wie ich in die Finger bekam, damit dieses Stück so gut wurde, wie ich es irgend konnte. Ich ging zur Recherche in die Bibliothek, fotografierte das echte Leben als Referenz und durchforstete manchmal die Zeitschriftenläden, um das visuelle Vokabular eines gewünschten Stils zu verstehen und wirklich zu erfassen. Damals hatte ich nämlich noch keinen Stil. Ich wusste nicht, was ich mochte oder in welche Richtung ich meine Kunst entwickeln wollte. Die Leute kamen mit Ideen zu mir: „Oh, du willst einen Dämon im Paul-Booth-Stil? Klar, kein Problem.” Ich zog einen Haufen Paul-Booth-Dämonen heran und zeichnete meine eigene Version. „Du willst ein Marcus-Pacheco-Herz oder einen Dave-Waugh-Hot-Rod? Lass mich meine Referenzordner holen. Kein Problem” – und von dort aus zeichnete ich meine eigenen Versionen. So habe ich es damals gemacht. Mein Stil entwickelte sich über die Jahre und wurde schließlich mein eigener, aber so habe ich wirklich gelernt, Tattoos zu zeichnen.
Es hat mir damals gefallen und gefällt mir immer noch, mich der Herausforderung der Vielfalt zu stellen. Ich probiere Dinge aus, die ich nicht regelmäßig mache, und bin dabei entspannt im Wissen: Wenn ich müsste, könnte ich fast alles umsetzen. Ich denke, es ist für einen Künstler sehr wichtig, vielseitig zu sein, besonders in diesem Bereich. Es gibt so viel mehr Raum, als Künstler zu wachsen, wenn man verschiedene Wachstumsrichtungen hat. Wenn man verschiedene Stile praktiziert, ist Wachstum kaum zu vermeiden, und man wäre überrascht, wie Stile andere Stile beeinflussen. Dann öffnen sich ziemlich oft neue Möglichkeiten zum Erkunden, weil man jetzt für verschiedene Stile/Genres offen ist, die man vorher nicht erkundet hat.