Duma 1973’te Lizbon’da doğdu. Portekiz’in Oeiras kentinde yaşıyor ve çalışıyor. IADE’de (Görsel Sanatlar, Tasarım) reklamcılık okudu. & Marketig Enstitüsü) ve ayrıca Lizbon’daki Ulusal Güzel Sanatlar Derneği’nde Resim ve Çizim eğitimi aldı..

“Kadınsı figür, çalışmalarımda doğal bir şey, her tuvalde temsil edilen bir parçam gibi. İzleyiciye tam sahnenin küçük bir parçasını göstermeyi seviyorum. İzleyicinin hayal gücüne yer bırakmayı seviyorum. Her karede sınırsız bir eylem, düşünce ve duygu evreni vardır, her karakter bize kendi kişiliğinin birazını gösterir, bir filmin donmuş bir karesi veya bir anın kamera çekimi gibidir..

İnsan şeklini, özellikle portreleri temsil etmekten her zaman çok etkilenmişimdir. Ancak, aktarmak istediğim portre türü, özellikle kimseye ait değil, belirli bir kimlik sağlamak istemiyorum, sadece genel bir kadınlık hissini temsil etmek istiyorum..

Gözleri uzaklaştırarak, karakteri gizemle çevreliyor, daha soyut hale getiriyorum ve izleyiciyi onun etrafında bir hikaye yaratmaya zorluyorum. Bu, seçtiğim çerçeve ve basit ve net bir arka plan ile tamamlandı. Her biri izleyicinin hayal gücünü kullanmasına izin veriyor ve tablonun benzersiz ve bireysel bir deneyimini sunuyor.”

Web sitesini görüntüle

İlahi dişinin yükselişi

Jaison Cianelli, New Boston, NH’de yaşayan kendi kendini yetiştirmiş bir sanatçıdır. Cianelli, akrilik boya, karışık medya ve dijital ortam kullanan büyük renkli soyut sanat resimlerinde ve soyut manzaralarda uzmanlaşmıştır. Çalışmaları, içindeki duygulardan gelen ruh ve kendiliğindenlik ile ifade edilir ve doğadaki desen ve renk kompozisyonlarından ilham alan tanıdık bir rezonansa dokunur..

başkalaşım

Soyut sanat çalışmalarında yatıştırıcı renkler, ışık dalgaları ve duyguları uyandıran ve duyuları olumlu yönde etkileyen katmanlı hareketlerle ilgileniyor. Her bir sanat eseri için yaratıcı süreç, genellikle kendi dolambaçlı rotasında ilerler, çünkü o, yaratıcı sezgiyle pozitif düşünceleri iç içe geçirir ve tüm yaratılışın altında bir aşkınlık, denge ve birlik akımına sahip uyumlu enerjilerle sanat eseri üretir..

Kutlama

çöken dalga

el kalp

belagat soyut sanat

sevinç hisset

Ruhla hareket etmek

Basit

Spiral dalga

Hayat Ağacı

Su soyut sanatında yürümek

sonbahar düşüyor

Web sitesini görüntüle

Japonya, Hokkaido’da doğan Takaki, güzel fantezi ve ücretli masal karakterleri üzerinde çalışan bir dijital sanatçıdır. Küçük bir çocukken kuşlara, kanatlı güzel yaratıklara hayrandı, çalışmalarını iç dünyasını yansıtmak, saflığı ve geçici güzelliği ifade etmek için kullanıyor..

tekerlek

tekerlek

naiad

naiad

bize söyle

çarşı

taban

parlamak

rerakamui

yeniden doğuş

yeniden doğuş

kalbe söz ver

priere

geçen

geçen

kagerou

masumiyet.

hikarinoryouyoku

hikarinohate

sonsuz

cennet

tuiokuno

kristal

manevi

web sitesini görüntüle

1996’dan beri ticari bir illüstratör olan Jason, uluslararası alanda reklamcılık, editörlük, paketleme ve kitap yayıncılığı yapan müşteriler için işler yarattı. Suluboya kağıdı veya ahşap panel üzerine akrilik boya yapan geleneksel bir sanatçıdır. Tarzı gerçekçilikten abartıya kadar uzanır, genellikle figürü vurgular ve belirli bir derecede mizah veya karikatürü vurgular. Jason’dan genellikle film afişleri, kağıt kapaklar veya retro tarzı reklamlar gibi belirli bir illüstrasyon türünü taklit etmesi istenir. Pop kültürüne, özellikle filmlere ve oyuncaklara olan düşkünlüğü, çalışmalarına sıklıkla sızar..

Siteyi ziyaret et

Kanadalı sanatçı Ivan Alifan’ın İnanılmaz Tabloları. Ivan’ın en büyük tutkusu sanattır. Ivan’ın çalışmalarının her birinin benzersiz bir imzası var. Göz, her bireyin farklı bir güzellik algısına sahip olduğu “güzellik bakanın gözündedir” kavramını temsil eder. Ivan, “Umarım resimlerim gözlerinizi açmış ve hayata bakışınızı değiştirmiştir…” diyor..

“Sanat, algı ve yaratıcılığın bir imgesinin ötesindedir. Sanat, geçmişin, şimdinin, geleceğin bir parçasıdır, burada kendi görüşlerini yorumlayabilir. Resim yapmak, bir sanatçı olarak güçlü yanlarımı veya kırılganlığımı ifade etmemi sağlıyor. Her fırça darbesi bir hikaye, bir hayat ve bir tutku inşa eder.”

Web sitesini görüntüle

Sally Swatland’ın sahildeki çocuklar resimlerinde. Sally, 1946’da Washington DC’de doğdu ve yedi yaşındayken Greenwich, Connecticut’a taşındı. Ailesiyle plajlar, güneş ışığı ve temiz hava tutkusunu paylaştı. Yaz günlerinin çoğu plajda gelgit havuzlarında oynayarak, minnowları kovalayarak, deniz kabuklarını toplayarak ve keşif yaparak geçirilirdi..

Mount Saint Vincent Koleji’nden Güzel Sanatlar bölümünden mezun olduktan sonra, New York Sanat Öğrencileri Birliği’nde altı yıl (1969-1974) resmi figür çizimi eğitimi aldı. Sally, yirmili yaşlarının ortalarında evlendi ve ilk ‘plaj sahnesini’ ilk çocuğuna hamileyken çizdi. Sally zamanı oldukça iyi hatırlıyor:

Sahilde çocukları boyamayı düşünmem biraz tesadüf oldu. Sanat Öğrencileri Birliği’nde figür ve manzara resmi okumuştum ve biraz ilgimi çeken bir konu arıyordum. İlk çocuğuma hamileyken bir gün annemle sahile gittim ve su birikintilerinde oynayan çocukların fotoğraflarını çektim. Eve gittim ve küçük bir tablo çizdim ve bazı insanlara gösterdim. Yanıt çok cesaret vericiydi. Resmin verdiği hissi beğendiler. O yaz birkaç tane daha boyadım.

Soyut sanat, çevredeki dünyadan görsel referanslar kullanılmadan oluşturulan sanatsal yaratımları tanımlayan genel bir terimdir. Gerçekçiliğin karşıtı olarak kabul edilir. Soyut sanat, yarı-soyutlama veya saf soyutlama biçimi olarak görünür. Yarı soyut sanat eseri, bir kişinin veya nesnenin bazı şekillerini içerir, ancak stilize edilmiş ve küçültülmüş; saf soyutlama ise bu tür referanslardan kesinlikle muaftır. Tamamen soyut sanat, renk, biçim, fırça darbesi, desen, hacim, ton ve doku gibi temel resimsel öğelerin bileşimine odaklanır. Soyut sanat, görsel olmayan, duygusal ve tefekkür alanıyla ilgilidir. Genellikle figüratif olmayan, nesnel olmayan ve temsili olmayan sanatla eşitlenir, ancak bu terimler her zaman yalnızca soyutlama ile ilgili değildir..

Soyut sanat resminin unsurları, izlenimci hareket içinde ve hatta bundan daha önce, Pablo Picasso’nun erken kübizminde bulunabilir. 1907’de ikonik resmi Avignon’un Genç Hanımları ile modern sanat için yeni temeller attı, ancak genel olarak soyutlama çağının, Wassily Kandinsky adlı bir Rus olan bir başka yenilikçi sanatsal figürün ortaya çıkmasıyla başladığı kabul edilir..

Kandinsky, görsel sanatı ruhun içsel duygularını ifade etme aracı olarak gördü ve müzikten çok ilham aldı. Müzik özünde soyuttur ve Kandinsky, resmin soyut mesajı iletmek için görsel dili kullanabilmesi gerektiğini düşündü. Tamamen soyut resimlerini tanımlamak için sık sık müzik terimleri kullandı ve onları “doğaçlamalar” ve “kompozisyonlar” olarak adlandırdı..

Wassily Kandinsky, 1911’de sanatla ilgili görüşlerini paylaşan ressam arkadaşlarıyla birlikte etkili bir sanatsal grup olan Der Blaue Riter’i (Mavi Süvari) kurdu. Grup, 1914’te I. Dünya Savaşı’nın başlangıcına kadar, manevi olanı tasvir etmeye ve soyut sanatı ve özerk, temsili olmayan resmi teşvik etmeye çalıştı. Bugün Kandinsky, lirik soyutlamanın önde gelen temsilcisi ve soyut sanatın resmi bir üslup olarak kabul edilmesini sağlayan bir devrimci olarak kabul edilir..

Birinci Dünya Savaşı’ndan sonra ve özellikle İkinci Dünya Savaşı’ndan sonra soyut sanat geniş çapta kabul gördü ve bir dizi bireysel sanatsal stil veya akımın baskın ifadesi haline geldi. Rus avangardının ve Konstrüktivizmin gelişimi üzerinde kritik bir etkisi oldu. Rusya’daki en heybetli figürlerden biri, üstünlükçü hareketin kilit figürü olan Kazimir Maleviç’ti. 1918’deki Beyaz Üzerine Beyaz resmi, temsilin özünü sarstı ve nesiller boyu sanatçıları etkiledi..

Piet Mondrian, De Stijl hareketine ait geometrik soyutlamanın bir başka tipik temsilcisidir. De Stijl 1917 ve 1931 arasında aktifti ve renk ve formu temel unsurlara indirgedi..

İkinci Dünya Savaşı’ndan sonra, Avrupa’da informalizm ve Amerika’da soyut dışavurumculuk, krize, savaşa veya kişisel sıkıntılara tepki olarak tüm acılarını tuvale döken yeni nesil sanatçıları bir araya getirdi. Yenilikçi medya ve yeni renk kullanımı, kaba, dokunsal doku ve büyük ölçekler getirdiler. Jean Dubuffet, Avrupa’da yaratılan enformalistlerden biriydi, Amerika’da ise soyut dışavurumculuğun kilit figürleri Jackson Pollock, Willem DeKooning ve Mark Rothko idi..

21. yüzyıl, tutarlı tarzların olmadığı ve her şeyin aynı anda gerçekleştiği çoğulculuk çağıdır. Bilgisayarlı sanat, keskin hatlı resim, gerçekçilik sayısı, soyutlama, minimal – bu, bugün bir arada var olan sadece küçük bir stil grubudur ve her birinin kendi trafik piyasası vardır. Bir dizi genç, yaşayan sanatçı, temsili olmayan ifadenin aşkın ve düşünceye dayalı doğasını geliştirerek, önceki yüzyılda ortaya çıkan, devam eden soyut sanat tarzları yaratmaya devam ediyor..

ÖZET RESİMLER LİSTESİ

1. Pablo Picasso, Avignon’un Kızları, 1907

Modern sanatın belki de en devrimci tablosu. Fahişeleri resmederek kabul görmüş tüm estetik kuralları bozmuş, gücenmiş ve safları şaşırtmış ve sanatın gidişatını tek başına daha soyut bir alana dönüştürmüştür. Kübizm’in ilk tablosu olarak kabul edilir..

2. Wassily Kandinsky, Kompozisyon IV, 1911

Lirik soyutlamanın mükemmel bir örneği. Bir anekdot, Kandinsky’nin sadece asistanı yanlışlıkla yana çevirdiğinde resmi bitirdiğini düşündüğünü söylüyor – perspektif değişikliği, parçanın genel izlenimini değiştirdi.

3. Maleviç, Beyaz Üzerine Beyaz, 1917/8

Rus Devrimi’ni destekleyen Maleviç, maddi olmayan üzerine kurulacak bir ifade bulmaya çalıştı. Hava fotoğrafçılığı okudu ve üstteki beyaz kare, alttakinin üzerinde yüzer gibi görünmelidir. Bu saf çalışmanın insanlığı, görünür fırça darbelerinde ve geometrik kusurlarda bulunur..

Bu, bugüne kadar soyut sanatta en devrimci üstünlükçü resimlerden biridir..

4. Piet Mondrian, Kompozisyon A, 1923

Piet Mondrian’ın neoplastikliği, tüm formları temel kare veya dikdörtgene ve renkleri temel palete indirger. Cesur siyah çizgileri mükemmel bir kompozisyon oluştururken, eser saf kontrastlar ve görsel öğeler arasındaki ilişki ile ilgileniyor..

5. Jackson Pollock, 1 Numara, 1948

Sorunlu bir birey ve yeni “damlama” tekniğini sanata sokan fantastik bir ressam. Yere serilen devasa tuvallerin üzerine rengi damlattığı için bu yöntem onun kişiliğiyle eş anlamlı hale geldi..

6. Willem De Kooning, Soyutlama, 1950

De Kooning’in soyutlaması oldukça etkileyiciydi ve asla saf değildi. Genel izlenim çok duygusal, çalkantılı ve ezici iken, bazı ürkütücü ve figüratif unsurlar içeriyor..

7. Mark Rothko, Green and Mandalina on Red, 1956

Soyut bir sanat eserinin paradigması. Rothko kendini her zaman her şeyden önce bir “soyut ressam” olarak gördü ve renkli alan soyutlama stilinde öncüydü..

8. Victor Vasarely, Vega, 1957

Vasarely, soyutlama üzerine kurulu, ancak birincil ifade unsuru olarak optik yanılsamayı kullanan Op Art’ın en iyi temsilcilerinden biriydi. Kompozisyonları genellikle siyah ve beyazdır, en basit unsurların karmaşık bir yan yana yerleştirilmesiyle gözle oynanır..

9. Jean Dubuffet, Yeraltının Ruhu, 1959

İkinci Dünya Savaşı’ndan sonra Avrupa’da hayal kırıklığına uğrayan birçok sanatçı gibi, Dubuffet temsilden ayrıldı. Bu resim, maden yataklarına benzeyen dokulu yüzey keşfinin harika bir örneğidir. Figüratif resmi terk ederek, 1950’ler boyunca dokuyu araştırarak saf maddeyi uyandırmak istedi..

10. Frank Stella, Renkli Labirent, 1966

Frank Stella’nın geometrik soyutlaması formu en aza indirdi ve saf rengi keşfetti. 1960’larda baskı resim denemelerine başladı ve bu çalışma bu eğilimin izini sürüyor..

Wassily Kandinsky, bir Rus ressam ve sanat teorisyeniydi ve modern sanatın gelişimindeki en önemli figürlerden biriydi. Resmi temsilin kısıtlamalarından kurtaran ve böylece soyutlamanın evriminin temelini oluşturan kişiydi. Sanat dünyası üzerindeki etkisi çok büyüktü ve resmin sonsuza kadar algılanma şeklini değiştirdi. Çalışmaları, sürekli olarak sentetik bir resimsel vizyona doğru ilerlediği için sağlam felsefi temeller üzerine kuruldu..

Belki de ressam olmadan önce bir düşünürdü, çünkü doygun figürasyonun hareket edebileceği tek yönü fark etti ve onu amansızca takip etti, diğer avangard yaratıcıların takip etmesi için bir örnek oluşturdu. Kandinsky’nin soyutlamasının özü, felsefe ve bilime paralel olarak kabul edilen evrensel bir müzik ve resim sentezi arayışıdır..

Wassily Kandinsky, 1866’da Moskova’da doğdu. Erken çocukluktan itibaren doğanın renk zenginliğine hayran kaldı ve sürekli sanatla ilgilendi. Ekonomi ve hukuk okudu, ancak sonunda daha yaratıcı bir yol izlemek için sosyal bilimlerde umut verici bir kariyerden vazgeçti..

Genç ressam, Claude Monet’in kendisini görsel araştırmalara adamasına ilham veren bir sergisini gördüğünde, sanatsal yaşama doğru son hamleyi yaptı. Münih sanat okuluna ilk kaydolduğunda Kandinsky zaten 30 yaşındaydı. İlk başta kabul bile edilmedi ama tek başına çalışmaya devam etti..

Sanat okulunda iki yıl geçirdi, ardından seyahat dönemi geldi. Sanatçı Hollanda, Fransa, İtalya ve Tunus’u ziyaret etti. Bu dönemde, post-empresyonizmden büyük ölçüde etkilenen, Rusya’daki çocukluğunu sanatçı için idealist öneme sahip yaratıcı manzaralarda çağrıştıran resimler yarattı. Münih’e yakın bir Murnau kasabasına yerleşti ve onları güçlü çizgiler ve cesur, şiddetli renklerle canlandıran manzara keşiflerine devam etti..

Kandinsky, müziğin tamamen soyut özelliklerini diğer sanat biçimlerine aktarmaya çalışarak müzik üzerinde düşündü. 1911’de Münih’te Kandinsky önderliğinde benzer düşüncede bir sanatçı grubu kuruldu. Adları “The Blue Rider” – “Der Blaue Reiter” idi ve August Macke ve Franz Marc gibi Alman dışavurumcular diğerlerinin yanı sıra meclise aitti. Grup, modern sanat üzerine görüşlerini içeren bir almanak yayınladı ve 1914’te Birinci Dünya Savaşı’nın başlamasıyla kesintiye uğradıktan sonra sadece iki sergi düzenledi..

Temel resimsel unsurların yeni kullanımı, Kandinsky’nin yapıtında dramatik dönemin başlangıcını işaret etti ve soyut sanatın ortaya çıkmasını önerdi. Bugün lirik soyutlama olarak bilinen, müzik parçasının akışını ve derinliğini boya ve çizimle taklit eden yeni bir stil tasarladı. Aynı zamanda, ressam, konuyla ilgili derin bir tefekkürle meşgul oldu ve 1912’de “Sanatta Maneviyat Üzerine” adlı ufuk açıcı bir çalışma yazdı ve yayınladı..

Kandinsky, 1914’te Rusya’ya geri dönmek zorunda kaldı, ancak deneyleri asla bırakmadı. Devrimden sonra Rus sanat kurumlarının yeniden yapılandırılmasına bile katıldı. Bununla birlikte, yenilikçi dehasının gerçek önemi, ancak Almanya’ya geri dönüp 1923’te Bauhaus’un öğretim kadrosuna katıldıktan ve başka bir öncü yaratıcı Paul Klee ile arkadaş olduktan sonra ortaya çıktı..

Bir zamanlar tamamen lirik soyutlaması, daha yapılandırılmış, bilimsel kompozisyon yönüne kaydı. Kandinsky, görsel ve entelektüel hakkındaki en son araştırmasını sunan çizgiler, noktalar ve kombine geometrik figürlerden oluşan yeni bir görsel formül üzerinde çalıştı..

On yıllık üretken bir çalışmanın ardından, Bauhaus 1933’te Nazi yetkilileri tarafından kapatıldı ve Kandinsky, hayatının geri kalanını geçireceği Fransa’ya kaçmak zorunda kaldı..

Son on bir yıl, Rus dehası, yaşamın hayati güçleri tarafından yönlendirildiği gibi, soyut fikirleri ve görsel bulgularının Büyük Sentezi’ni sürekli aramaya adadı. Yoğun renklere ve liriklere geri döndü, sabit bir elle resim yaptı ve resmin gerçek doğası hakkındaki orijinal görüşlerini bir kez daha doğruladı. Büyük sanatçı Fransız vatandaşlığını kabul etti ve yeni vatanında en ünlü sanat eserlerinden bazılarını yarattı. 1944’te Neuilly kasabasında 77 yaşında öldü..

Wassily Kandinsky’nin eserleri, yaşıtları Marc Chagall, Paul Klee, Franz Marc ve Piet Mondrian’ın eserleriyle birlikte 1937’de yeni Nazi yetkilileri tarafından dejenere olarak ilan edildi ve iki yıl sonra binden fazla resim ve binlerce eskiz ve eser üzerinde çalıştı. Berlin’deki itfaiye istasyonunun avlusunda halka açık şekilde kağıtlar yakıldı. Yine de, Wassily Kandinsky’nin sanat eserinin sanat üzerindeki ezici gücü ve önemli etkisi, tarihin tüm zorluklarını aşmış ve sanat tarihi sahnesinde bir kazanan olarak ortaya çıkmıştır..

Resimlerin Listesi

1. Mavi Süvari, 1903

Bu resim, modern sanat tarihinin en etkili gruplarından biri olan Der Blaue Reiter’in arkasındaki isim için ilham kaynağı oldu. Erken bir parça olmasına rağmen, resim soyutlamanın eşiğinde..

2. Hollanda’da Plaj Sepetleri, 1904

Hollanda gezisinden bir manzara. Sahne izlenimciliğin etkilerini gösteriyor.

3. Murnau’da Sonbahar, 1908

Soyutlamaya yavaş geçişi şimdiden belirleyen dışavurumcu bir manzara.

4. Oktırka. Kızıl Kilise, 1908

Hayali bir Rus manzarası, sıla hasreti çeken sanatçıyı anımsatıyor.

5. Bir Dağ, 1909

Bir tepenin ve insan figürlerinin hafif kontur önerileriyle neredeyse tamamen soyut bir manzara.

6. İlk Soyut Suluboya, 1910

Bu çalışma, Kandinsky’nin şimdiye kadar yürütülen ilk tamamen soyut suluboya çalışması olarak tarihsel olarak önemlidir..

7. Doğaçlama 10, 1910

Çizimde ve renkte doğaçlama, düşündüren, ancak hiçbir zaman tam olarak somut bir görüntü sunamayan. Erken bir soyut çalışma.

8. Lirik, 1911

Resmini sıklıkla müzikal fikirlere dayandırdığı için, vuruşlarının lirik doğası doğal olarak geldi. Bu saf bir resimli şiir.

9. Kompozisyon IV, 1911

Bir anekdot, Kandinsky’nin ancak asistanı yanlışlıkla resmi yana çevirdiğinde resmi bitirdiğini düşündüğünü söylüyor – perspektif değişikliği parçanın genel izlenimini değiştirdi ve mükemmel hale getirdi..

10. Doğaçlama 26 (Kürek), 1912

Müzik üzerine bir doğaçlama. Kandinsky, eserlerini genellikle müzik parçaları olarak adlandırdı ve onları doğaçlamalar ve besteler olarak adlandırdı..

11. Doğaçlama 31 (Deniz Savaşı), 1913

Tipik lirik soyutlama örneği, güçlü renk ve duygusal içerik.

12. Renk Etüdü: Eşmerkezli Daireli Kareler, 1913

Soyutlama alanında zaten derin olan Kandinsky, renkler arasındaki değerleri ve ilişkileri araştırdı. Bu kromatik ve geometrik bir çalışmadır..

13. Kompozisyon VI, 1913

Bu resim için kapsamlı hazırlık nedeniyle bir blokaj yaşadıktan sonra, Kandinsky, resim sırasında bir mantra gibi Almanca’da sel olan “uberflut” ana ilham verici kelimesini tekrarlayarak üç gün içinde bitirdi. Bu kelimenin müzikalitesi, sanatçıya eseri nasıl tamamlaması gerektiğini anlattı..

14. Moskova, 1916

Savaş yıllarında Moskova’da kaldığı süre boyunca Kandinsky, büyük şehrin kargaşasından etkilendi. Bu, şehrin tüm gücünü ve türbülansını yakalayan bir manzaradan çok şehrin bir portresi..

15. Mavi, 1922

Çok azaltılmış geometrik formlarla başka bir renk çalışması.

16. Siyah ve Menekşe, 1923

Almanya’ya dönüşünde yapılan resimlerden biri. Hâlâ renk açısından zengin olan kompozisyon, belirgin bir şekilde keskin ve geometrik bir dönüş yaparak, serbest el lirik fırça darbelerini uzaklaştırdı..

17. Beyaz Üzerine II, 1923

İki temel nüans üzerinde tefekkür üzerine görsel temsil – siyah ve beyaz. İki karşıtlık, yaşam ve ölüm arasındaki mücadeleyi taklit eden resmin gerilimini koruyarak güçlü bir karşıtlık yaratır..

18. Sarı, Kırmızı, Mavi, 1925

Başlıktan da anlaşılacağı gibi, bu öncelikle kompozisyon geometrisini süsleyen temel renklerin potansiyelinin incelenmesidir..

19. Veraset, 1935

Bu neredeyse bir müzik parçası, Kandinsky’nin sanatının geç dönemini işaret ediyor. Alanları kapalı, akışkan ve belirli bir şekil alırken, kompozisyonları dağınık unsurlar içeriyordu. Soyut köklerine dönüyordu.

20. Kompozisyon X, 1939

Genellikle resimli kompozisyonları müzikal kompozisyonlarla ilişkilendiren bu çalışma, doğrudan müzikten etkilenir. Görsel öğeler, mükemmel bir senfoninin müzik öğeleriyle orantılıdır. Kandinsky bunun saf resmin sırrı olduğuna inanıyordu..

20. yüzyılın en ünlü sürrealisti ve en etkili sanatsal figürlerinden biri olan Salvador Dali, eksantrik doğası, benzersiz yeteneği ve son derece yaratıcı resim stili nedeniyle ün kazandı..

Genç Dali, dışavurumculuk ve kübizm gibi yeni sanat akımlarında temsilin büyük ölçüde terk edildiği erken modernite çağında sanatsal olarak şekillenirken, eski rönesans ustalarının eserlerinden yayılan güçlü gücü fark etti ve modern ifadelerle deneyler yaptıktan sonra. , 1929 civarında sürrealist harekete katıldı. Bu yıl Salvador Dali’nin hayatında önemli bir dönüm noktası oldu, çünkü o sırada daha sonraki sevgilisi, karısı, ilham perisi, modeli ve başlıca ilham kaynağı olan Gala ile tanışmıştı..

Bazı sanat tarihçileri, onun sürrealist döneminin biraz daha erken başladığını, 1927 ve 1928’den kalma, kübist yaklaşımdan uzaklaşırken bir dizi bilinçaltı cinsel saplantı olarak tasvir edilen resimleriyle başladığını iddia ediyor. Bu resimler, onun tekil gerçeküstücülüğünün en karakteristik özelliklerinden biri olduğunu kanıtlayacak olan Dalinian manzarasının ilk bakışlarını içeriyordu. Bilinçaltı düşünce trenine ve bilinçdışının kendiliğindenliğine takıntılı olan Dali, bu tarzın en önde gelen film yapımcısı Luis Bunuel ile işbirliği yaparak tüm varlığıyla hareketin içine daldı. Bunuel, canlı Dali’nin tablosunu andıran tuhaf hareketler ve gerçek dışı sahneler sergileyen birkaç ikonik film L’Age d’Or ve Un Chien Andalou yönetti..

Dali, 1934’te savaşla ilgili anlaşmazlıklar nedeniyle resmi sürrealist çevreden atıldı, ancak 1940’a kadar ağırlıklı olarak sürrealist olan eserlerini uluslararası sürrealistlerle sergiledi. çoğunlukla bilim ve dinin keşfine.

Bu dönemin simgesel Salvador Dali resimlerinden biri, zamanın kaçınılmaz geçişinin özel bir tasviri olan Belleğin Azmi’dir. Arkasındaki bir anekdot, Dali’nin bir gecede erimiş olarak bulduğu bir peynir parçasından ilham aldığını, ayakta durma saatleri nedeniyle dönüştüğünü anlatıyor. Salvador Dali amblemlerinden biri olarak kabul edilen tablonun hem şok edici hem de başarılı olduğu kanıtlandı. Bir erkeğin en derindeki korkularını ve baskılarını son derece dalgın ama yine de son derece estetize edilmiş bir üslupla keşfetmeye devam etti..

Dali, parlak bir ressam ve renkçi olduğu için eski ustalardan çok ilham aldı, ancak biçimleri abartılı ve yaratıcı yollarla dönüştürdü, tamamen yeni, modern ve yenilikçi bir sanat tarzı oluşturdu. Salvador Dali resimleri, ikili görüntü, ironik sahneler, optik illüzyon, düşsel manzara ve derin sembolizm kullanımıyla ayırt edilir..

Sanat hayatı boyunca Dali hiçbir şekilde tek bir medya ile sınırlı değildi. Yağlı boya ve sulu boya ile çalıştı, çizimler, heykeller, filmler ve fotoğraflar yarattı. Bir icra biçimi bile sanatçıya yabancı değildi; mücevher, obje ve diğer uygulamalı sanat eserlerinin yaratılması da sanatçıya yabancı değildi. Son derece üretken ve olağanüstü yetenekli, sanatçıların ve sanat meraklılarının nesiller boyu takip etmeleri ve eğlenmeleri için büyük bir miras bıraktı..

Fantastik yeteneği, hayal gücü ve ustalığına tanıklık eden bir genel bakış olarak, gerçeküstü Salvador Dali resimlerinin 15 örneğini burada bulabilirsiniz..

1. Delft’in Masa Olarak Kullanılabilen Hayaleti, 1934

Bu küçük ölçekli resmin oldukça uzun bir orijinal adı var ve Dali’nin 17. yüzyılın büyük Flaman ustası Johannes Vermeer’e olan hayranlığının somutlaşmış hali. The Art of Painting’de Vermeer’in otoportresinin konusunu Dali’nin sürrealist bakış açısıyla işler..

2. Büyük mastürbatör, 1929

Resim, sanatçının algıladığı şekliyle cinsel ilişki sorununun ortaya çıkardığı duyguların içsel mücadelesini tasvir ediyor. Babası tarafından bırakılan zührevi hastalıklar hakkında kasıtlı olarak açık bir kitap gördüğünde, çocukluğundan uyanmış bir travmatik anı olarak ortaya çıktı..

3. Yanan Zürafa, 1937

Bu resim, sanatçının 1940’ta Amerika Birleşik Devletleri’ne sürgün edilmesinden önce tamamlanmıştı. Apolitik olduğunu iddia etse de, bu resim ve diğer pek çok resim, Dali’nin arasındaki çalkantılı dönemde hissetmiş olması gereken derin ve rahatsız edici endişe ve korku duygularını sergilemektedir. savaşlar. Bu özel parça, İspanya İç Savaşı ile ilgili iç mücadelesinin bir yansımasıdır, ancak aynı zamanda Freudyen psikanalitik yönteme referanslar içerir..

4. Savaşın yüzü, 1940

Savaşın acısı Dali için büyük bir ilham kaynağıydı. Resimlerinin savaşın önsezileri olduğuna inanıyordu ve bu özel eser İspanya İç Savaşı ile İkinci Dünya Savaşı arasında yaratıldı..

5. Uyku, 1937

Dalis’in zamanın patronu İngiliz milyoner Edward James tarafından görevlendirilen bu resim, yaygın sürrealist konulardan bazılarını – uyku fenomeni, bilinçaltı zihin ve düşsel dünyanın özgürlüğü – işler..

6. Sahilde Yüz ve Meyve Tabağının Görünüşü, 1938

Bu fantastik resim özellikle ilginçtir, çünkü çifte görüntüden yararlanır ve tasvirin kendisine katmanlı anlamlar sağlar. Metamorfoz, nesnelerin şaşırtıcı yan yana dizilişleri ve değişen görünümler Dali’nin sürrealist resimlerinin özelliklerinden bazılarıdır..

7. Belleğin Kalıcılığı, 1931

Belki de en ikonik Salvador Dali gerçeküstü tablosu, yumuşaklık ve sertliğin ikiliğini temsil ediyor, uzay ve zamanın göreliliğini sembolize ediyor, özünde Einstein’ın Görelilik Teorisine yaslanıyor, ancak Dali güneşte eriyen Camembert peynirini iptal etti. bu parça hakkında konuşmak.

8. Üç bikinili sfenks, 1947

Bikini atolündeki bu sürrealist tasvirde savaş çağrıları var. Üç sembolik sfenks, her biri kendi başına duran farklı planları işgal eder – insanlık için bir kafa, doğa için ağaç ve savaş ve korku için nükleer patlama mantarı. Resim, çok kişisel Dali’nin bakış açısından üç konu arasındaki ilişkileri araştırıyor..

9. Kürelerin Galateası, 1952

Dali’nin karısı Gala’nın, bilimden ilham alan, ancak bir Madonna portresini andıran bir dizi küresel şekil aracılığıyla tasvir edilen bir portresi, Galathea’yı somut dünyanın üzerinde, üst, eterik bir küreye yükseltiyor..

10. Erime saati, 1954

Tipik olarak sert kasalı bir cep saatinin eterik yumuşaklığını temsil eden zaman konusunun başka bir yorumu.

11. Karım, Çıplak, Kendi Etini Merdivene Dönüşürken Düşünürken…, 1945

Gala’nın sırtının bu harika tasviri, klasik ve gerçeküstü, sakin ve tuhaf ile evlendiği için Dali’nin en eklektik eserlerinden biridir..

12. Haşlanmış Fasulye ile yumuşak yapı, 1936

Parantez içindeki resmin başlığı, İspanya İç Savaşı’nın beklenen dehşetini, çatışmadan altı ay önce boyandığı şekliyle betimleyen İç Savaşın Önsözü’dür. Dali’nin önsezilerinden biri.

13. Akışkan arzuların doğuşu, 1931-32

Sanata paranoyak-eleştirel yaklaşımlarının örneklerinden biri, babayı, belki de anneyi tasvir eden, ortada bir hermafroditin grotesk, gerçek dışı bir görüntüsü ile harmanlanmıştır. Referanslar ve sembolizmle dolu.

14. Arzumun Gizemi veya Annem, Annem, Annem, 1929

Freudyen ilkeler üzerine inşa edilen bu resim, Dali’nin devasa, çarpık vücudu yutan ve güçlü, uçsuz bucaksız Dalinian çölünü yöneten annesiyle ilişkisinin bir örneğidir..

15. İsimsiz – Helena Rubinstein için Duvar Resmi Tasarımı (panel 1), 1942

Tasarım, Helena Rubinstein mekanının iç dekorasyonu için şablon görevi görecek şekilde yapıldı. Klasik mitolojiden ilham alan, açıkça gerçeküstücü, hayal gücü ve rüyalar dünyasına dokunuyor..

Daha Fazla Salvador Dali Tablosu

Genç Bakire Kendi İffetinin Boynuzları Tarafından Oto-Sodomize Edildi, 1954

Resim, büyük kadın figürü ile soyut arka planı birleştirirken, Dali’nin eserlerinde sıklıkla görülen açık başlık ve fallik formlar aracılığıyla bastırılmış cinsellik konusunu keşfediyor..

Geopoliticus Çocuk Yeni Adamın Doğuşunu İzliyor, 1943

Dali’nin 1940’larda Birleşik Devletler’de kaldığı süre boyunca ressamın belirttiğine göre, bu resim, sembolik yeni bir adam, yeni dünyanın bir adamı gibi görünen bir küre şeklini çağrıştırıyor..

Sanat unsurları, görsel olarak algılanabilen ve ayrı olarak tanımlanabilen bir sanat eserinin temel özellikleridir. Görsel sanatın, belirli bir şekilde yan yana getirildiğinde bir sanat eseri yaratan altı temel unsuru vardır. Bunlar; çizgi, şekil, renk, değer biçimi ve dokudur..

Sanatsal unsurlardan biri olarak mekân da eklenebilir. Sanat ve sanat analizi ilkelerini anlamanın anahtarı bu unsurları öğrenmektir. Hepsinin her resmin bir parçası olması gerekmez, bazen bazılarının kasıtlı olarak yokluğu bir sanat tarzının ayırt edici bir özelliğidir. Bununla birlikte, hepsi için bir kural geçerlidir – nasıl resim yapılacağını öğrenmek gereklidir, ayrıca ve doğal yeteneğe rağmen, bilgi sanatsal başarı için temel adımdır..

Hat

Çizgi, en basit görsel anlatım aracıdır. İki nokta arasında belirli bir mesafeyi birleştirir ve düz, kıvrımlı, köşeli veya serbest olabilir. Çizginin genişliği, yönü ve uzunluğu genellikle tek bir sanatçının vuruşunu tanımlar..

Tasarımdaki can alıcı unsur ve işaret ve işaretlerin gerekli bileşenidir. Kalın ya da ince çizgi, şekil ve form oluşturmaya, bir çizim oluşturmaya yardımcı olur ve sonuç olarak figürlü ve birçok soyut sanatsal üslubun en temel bileşenidir. Baskıresim gibi bazı teknikler çizgiye dayalıdır ve bazı çizim türleri, kroki gibi sadece basit çizgilerle tanımlanır..

Aşırı basitleştirilmiş Jean Dubuffet çizimine bakın. Temiz hatların kullanımıyla hızlı bir şekilde tamamlanan bir çocuk parçasını andırıyor. David Hockney tarafından bir köpeğin çizimi farklı bir stile aittir, ancak temel resim öğesi olarak çizgi ile basitçe yürütülür..

Şekil

Şekil, kenarlar tarafından tanımlanan alanı ifade eder – iki boyutlu olan çizgiler. Genellikle üçgen, kare, dikdörtgen, daire veya çeşitli çokgenler gibi basit geometrik şekillerle ilgilidir. Aynı zamanda, farklı hayvanların, nesnelerin, insanların veya bitkilerin silüetlerini betimleyen doğada bulunan ana hatların herhangi birini taklit edebilir. Sanatın diğer temel unsurları olmadan şekil var olamaz. Ayrıca, ister figüratif ister soyut sanat olsun, konuyu oluşturmaktan sorumludurlar..

Piet Mondrian’ın De Stijl resimlerinde temel geometrinin nasıl kullanıldığını görün. Öte yandan, Georges Braque’nin kübizmi bu geometrik şekillere yaslanır, ancak onları tanınabilir nesneler oluşturmak için temel olarak kullanır..

Renk

Renk olmasaydı sanat olmazdı. Renk, bir resimdeki atmosferi ayarlar, duyguları en iyi şekilde tanımlarken, İzlenimcilik gibi stiller neredeyse yalnızca renge dayanır. Monet’nin eserinin hafif nüanslarına ve Van Gogh’un manzarasının canlı renklerine dikkat edin..

Renk, ışığın yansımasının doğrudan sonucu ve sanatın en önemli unsurlarından biridir. Renk tonları bir ölçekte gelir, ancak üç temel renk vardır – mavi, kırmızı ve sarı. Karıştırıldığında, bu üç renk spektrumun diğer tüm nüanslarını üretir. Dolayısıyla rengin ilk özelliği, kırmızı, yeşil, sarı, turuncu vb. olarak tanımladığımız terimlerle rengi tanımlayan nüans veya tondur. Yoğunluk, bu resimsel öğenin bir sonraki özelliğidir; parlak, derin ve canlıdan donuk veya pastele kadar renk tonunun netliğini tanımlar. Yoğunluk genellikle doygunluğu veya saflığını ifade eder. Değer, rengin açıklığını veya koyuluğunu tanımlayan üçüncü özelliğidir. Her ton, daha açık hale gelmek için beyazla renklendirilmiş veya daha koyulaşmak için siyahla gölgelendirilmiş bir dizi tonda gelir..

Değer

Değer, bir sanat eserinin dramatik ve duygusal izleniminden sorumlu olan sanat unsurudur ve rengin hemen yanındadır. Tonundan bağımsız olarak bir parçanın açıklığını ve karanlığını ifade eder. Bazen “ton” olarak adlandırılan değer, tabana gri eklenerek elde edilebilir – saf renk. Tıpkı renk gibi ışığa geri dönüşü olmayan bir şekilde bağlıdır, ancak amacı bir ışık yanılsamasını tasvir etmektir. Bu nedenle, bir resimdeki yüzeyler, konu aynı nüansa sahip olsa bile, farklı değerlerde gösterilmelidir. Gölgeleme ve renklendirme, yüzey işlemede sınırsız geçişlere izin verir ve ustaca yürütüldüğünde nesnelerin doğal görünümünü çağrıştırır. Vermeer’in başyapıtı “Dengeli Kadın”a bakarsanız, ışığın üzerlerine düşme şekline bağlı olarak cildinin ve yüzünün nasıl daha açık veya daha koyu göründüğünü göreceksiniz. Corot’un manzarası yeşil bir manzarayı tasvir ediyor, ancak ışık ormana çeşitli açılardan düştüğü için çimenler ve yapraklar daha koyu veya daha açık görünüyor.

Biçim

Form, bir resimde tasvir edilen üç boyutlu figüre atıfta bulunur. Gölgelerin ve perspektifin kullanılmasıyla elde edilen hacim yanılsaması ile tanımlanır. Formun genişliği, yüksekliği ve derinliği olması beklenir ve resimde sadece optik bir yanılsama olduğu için heykelde en önemli bileşendir. Formlar, tıpkı şekiller gibi, geometriden türer ve koniler, küpler, toplar ve benzerleri veya doğal dünyadan olabilir. Organik formlar, insanlardan, hayvanlardan ve bitkilerden diğer inorganik doğal ve düzensiz nesnelere kadar doğada bulunan tüm figürleri tanımlar..

Caravaggio’nun erken dönem çalışması olan “Meyve Sepeti”nde, üç boyutlu biçim yanılsaması yaratmak için sanatın bazı temel öğelerini nasıl kullandığını görün. Art Deco, büyük ölçüde geometriye dayalı modern ve dekoratif bir tarzdı, ancak formun temsili, Tamara de Lempicka’nın çalışmasında görüldüğü gibi, belirgin bir üç boyutlu özelliğe sahipti..

Doku

Doku, boyanmış alanın dokunsal kalitesini veya bu kalitenin yanılsamasını tanımlar. Bu nedenle, bir kumaşın, taşın, ahşabın, cildin gerçek bir dokusunun nasıl görünebileceğini taklit ederek somut veya boyanabilir – simüle edilebilir. Klasik sanatlarda kumaşları, nesneleri ve porselen teni tasvir etmek için simüle doku kullanıldı, ancak modernite ilerledikçe ve yeni teknikler ortaya çıktıkça, gerçek, dokunsal doku giderek daha yaygın hale geldi. Doku, sanat eserine zenginlik, doğal bir özellik sağlar ve yokluğu da kasıtlı bir ifade olabilir. Sanatın diğer temel öğelerini birleştirerek elde edilir..

Van Gogh’un eserlerinde doku, renkleri kadar önemlidir. Karel Appel’in kalın ve ağır impastosu, soyut resimlerinin etkileyiciliğini ve duygusunu vurgular..

Uzay

Mekân, resmi ve boyanmış özneyi çevreleyen veya dolduran alandır. Klasik sanat uzun zamandır bir mekan yanılsaması yaratmaya adanmışken, modern sanat bunu birçok yönden reddetmeyi başarmıştır. Modernite, pozitif ve negatif bir alan fikrini beraberinde getirdi. Pozitif alan, özne tarafından işgal edilen alandır, negatif alan ise onu çevreler..

Rönesans’ta perspektif, derinlik ve mekan yanılsamasına ulaşmanın kilit aracıydı. Raffaello’nun, dengeli perspektif kurallarını izleyerek, kare karo zeminle birlikte mimari planlarla iç mekanını nasıl inşa ettiğine dikkat edin. Manet’nin başyapıtı “A Bar at Folies-Bergere”, akademik perspektiften ziyade yan yana düzlemlerde ayna yansıması yoluyla alan yaratan erken modern, empresyonist bir eserdir..

James Bullough, Berlin, Almanya’da yaşayan ve çalışan Amerikalı bir sanatçıdır. Resimleri ve devasa, anıtsal ölçekte, alana özgü duvar resimleri, gerçekçi resim tekniği ve grafik noktalama işaretlerinin olağanüstü kombinasyonlarıdır..

Washington DC’de büyüyen genç bir sanatçı olarak cesur kentsel grafitiden ilham alan Bullough, çalışmalarında enerjisini kullandı ve Old Masters çalışmasından gerçekçi bir yağlı boya tekniğini mükemmelleştirdi. Birinin momentumunu diğerinin teknik hassasiyetiyle birleştiren eseri, zorlayıcı karşıtlıkları ve yan yanalıkları sahnelemekle ilgili. Yağlı boya, sprey boya ve tuval üzerine mürekkebe kadar her şeyde çalışan Bullough’un resimleri, gerçekçi figürasyon ve stilize kesinti arasında bir denge kuruyor..

Web sitesini görüntüle

Altın New York Duvar Sanatı Ev dekoru NY Boyama New York’ta Dans Amerika sanat duvar dekoru Yağlıboya NYC

Raen, modern bayanlardan, şehir yaşamından fantezi eserlerine kadar hayatının harika bölümlerini boyamayı seven Minsk, Beyaz Rusya’dan bir sanatçı. Resimleri genellikle altın bir heykel tarzında işlenir. Raen, ilham kaynakları keşfetmek ve şaşırtıcı, ilginç, sıra dışı insanlarla tanışmak için dünyayı dolaşmayı sever..

Rüzgarın Melodisi

Sadece mükemmel bir gün

Sadece seni düşünüyorum

Yağlıboya Orijinal Resim Cityscape Modern el yapımı resim El Boyalı Sanat Dokulu Yağlı Kanvas Tablo Hediye Palet Bıçağı

Orijinal Yağlıboya Resim Modern Sanat by Raen

Orijinal Sanat Resim Yağlı Altın Kanvas Tablo

Dokulu Orijinal Yağlı Akrilik Kanvas Tablo

Soyut Deniz Suyu Boyama

Altın-kahverengi boyama, Orijinal Eski New York tablosu

Erkekler Dünyası

Altın kadın

şimdi dans etmek istiyorum!

Web sitesini görüntüle